Концерт

Конце́рт (лат. concerto — состязаюсь) — публичное исполнение музыкальных, балетных и эстрадных номеров.

Источник: Википедия

Упоминания в литературе

Успех концертам по радио сопутствовал с самого первого появления их в эфире. Особенной популярностью пользовались выступления мастеров искусств в так называемых «краснокалендарных концертах», программа которых строилась как монтаж музыкальных номеров и коротких комментариев. Такие концерты предназначались для слушания на улицах – прямо во время демонстраций и гуляний.

Александр Шерель, Аудиокультура XX века. История, эстетические закономерности, особенности влияния на аудиторию. Очерки

После этого концерта перед юным гением Мстиславом Ростроповичем были открыты все дороги. Он постоянно участвовал в концертах. С оркестром Малого театра он исполнил «Вариации на тему рококо» П. Чайковского. Позднее, вспоминая этот концерт, Слава считал его лишь началом работы над «Вариациями» П. Чайковского.

Ольга Афанасьева, Мстислав Ростропович. Любовь с виолончелью в руках, 2015

Для привлечения на свои концерты столичной публики Глюк прибегал к помощи внешних эффектов. Так, в одной из лондонских газет за 31 марта 1746 года было дано объявление следующего содержания: «В большой зале города Гикфорда, во вторник 14 апреля 1746 года Глюк, оперный композитор, даст музыкальный концерт с участием лучших артистов оперы. Между прочим, он исполнит в сопровождении оркестра концерт для 26 рюмок, настроенных с помощью ключевой воды…».

Группа авторов, Популярная история музыки, 2002

Современные композиторы не уступают классикам. Одним из наиболее известных современных композиторов является Аулис Саллинен. Родился в 1935 г. и написал музыку к операм «Всадник», «Красная линия», «Король отправляется во Францию», «Куллерво» и «Замок». Еще одним композитором, чьи оперы считаются одними из наиболее популярных и известных, является Йоонас Кокконен (1921 – 1996). Его «Последние искушения» – одна из наиболее популярных финских опер. Произведения для хорового исполнения принесли известность Эрику Бергману (род. 1911) Очень интересный и удивительный факт – свою первую оперу «Поющее дерево» композитор написал в 1995 г. в возрасте 84 лет. Особенностью Финской музыки является то, что она носит национальные черты. Но некоторые считают ее в некоторой степени замкнутой на себе, ведь произведения, популярные в Финляндии, за границей почти неизвестны. Легкость, меланхоличность, минорность – вот то, что характерно для финской музыки. Во всей музыке ощущается влияние славянских мелодий. Но особенно популярным в Финляндии является танго, здесь оно исполняется, пожалуй, чаще всего в мире, за исключением Аргентины. Особенно часто танго звучит на летних танцплощадках. Финское и аргентинское танго значительно отличаются друг от друга своим темпераментом: финское грустнее, меланхоличнее аргентинского. Истоком финской народной музыки является пелиманнит, т. е. традиция, шедшая от народных скрипачей, играющих на слух. Очень популярным в Финляндии является и хоровое пение. Каждый год в Каустине проводится фестиваль народной музыки. Hanoi Rocks конца 1980-х гг.и Leningrad Covboys – рок-ансамбли, известные за рубежом. В разных концах земли совместные концерты Leningrad Cowboys и Краснознаменного ансамбля до сих пор собирают десятки тысяч зрителей.

Коллектив авторов, Эти чудные финны

Закрытые мероприятия (корпоративные праздники, юбилеи, свадьбы и пр.) могут организовывать как многопрофильные агентства, так и частные прокатчики или эвент-агентства. Несмотря на некую проблему (артист приходит к публике, а не наоборот), для многих российских артистов в настоящее время это стало едва ли не основным способом заработка. Гонорар за приватный концерт, как правило, выше, чем при публичном выступлении в концертном зале. Тем не менее ряд артистов (преимущественно западных) не соглашаются на такой формат выступлений.

Сергей Усков, Как стать звездой? Энциклопедия начинающего артиста, 2016

Но этого не случилось. Дело в том, что во второй половине 1960-х гг. в СССР были созданы так называемые «филармонические ВИА» (официальные музыкальные коллективы, которые получали твердую ставку за концерты и официальное прикрытие в лице концертных организаций) в противовес большому числу самодеятельных бит-групп, созданных на волне битломании. Репертуар ВИА строго отслеживался художественными советами филармоний.

Сборник статей, Хмурые будни холодной войны. Ее солдаты, прорабы и невольные участники, 2012

В XVIII веке значительно расширился репертуар драматических театров. Спектакли состояли из нескольких актов и после представления дополнялись фарсом, пантомимой, музыкальным дивертисментом или выступлениями клоунов и акробатов. Концовку спектакля также могла украсить пародия на какую-либо популярную пьесу или оперу. В течение многих лет игрались одни и те же знаменитые фарсы, независимо от программы всего вечера. Музыкальные дивертисменты, или интерлюдии, были наиболее популярными в театральном репертуаре Это могли быть инструментальные концерты или вокальные выступления, которые представляли собой литературные сюжеты юмористического содержания, положенные на музыку и носившие шутливые названия «Любовь и пивная кружка», «Посрамленный щеголь», «Профессор шутейных наук» и т. п.

Г. В. Дятлева, Популярная история театра, -1

…Успех концерта был полный, и музыканты резвились на обратном пути, как дети. В последнее время популярность этого молодежного джаз-оркестра из Ленинградского КРАМа (кинотеатра рабочей молодежи) заметно возросла. Произошло это потому, что директор кинотеатра делал все возможное, чтобы крамовский оркестр играл не только в фойе перед сеансами, но и на агитвыездах. Но главное – потому, что руководителем оркестра был назначен талантливый музыкант, пробовавший свои силы в композиции, Генрих Терпиловский. Ему удалось подобрать замечательный состав единомышленников. Принесла свои плоды и работа над репертуаром.

В. Ф. Гладышев, ТерпИлиада. Жизнь и творчество Генриха Терпиловского, 2008

Собственно, само слово «шоу» этого негативного значения первоначально в себе не несет. Оно переводится с английского просто как зрелище. Однако в отечественной искусствоведческой традиции понятие «зрелище» шире, чем тот круг явлений, который обозначает словом «шоу» современная индустрия развлечений. Теоретики современной художественной культуры понимают под шоу «театрализованное зрелище, которое сопровождает мероприятия общественной или культурной жизни (политические собрания, художественные конкурсы, телевизионные игры, вручения различных премий и т. д.)»[107]. Телевидение включило слово «шоу» в названия направлений вещания: ток-шоу, реалити-шоу, игровые шоу, музыкальные шоу, юмористические шоу, спортивные шоу. Шоу – это и зрелища, созданные на телевидении специально для показа по телевидению (например, музыкальные шоу «Старые песни о главном»), и телеверсии концертов, проходивших в залах, в присутствии зрителей.

А. А. Новикова, Телевизионная реальность. Экранная интерпретация действительности, 2013

В Соединенные Штаты Америки музыка Шопена проникла очень быстро. В 1839 г. в Нью-Йорке Людвиг Ракеман из Германии исполнил несколько прелюдий композитора, а на официальном концерте – ноктюрн и две мазурки. Таким образом, благодаря ему, Америка узнала две характерные черты музыкального стиля Шопена – меланхолический лиризм и народность. Вслед за ним Ю. Фонтана в 1846 г. исполнил Фантазию f-moll, а Себастиан Тимм играл II и III части Концерта e-moll. Начали издаваться произведения Шопена, наибольшее количество изданий выдержал «Траурный марш». Шопена исполняли, в частности, его ученик Альфред Жаэль, а также Луи М. Готтшалк, Вильям Мэйсон и многие другие. Наибольшей популярностью пользовались избранные мазурки, вальсы, полонезы, ноктюрны, Скерцо b-moll, Баллады g-moll и As-dur, «Фантазия-экспромт», «Колыбельная» и уже упоминавшийся «Траурный марш»22. В XX в. Америка познакомилась со всем творческим наследием Шопена – немалую роль в этом сыграл И. Я. Падеревский, выступавший с гастролями до 1939 г. Америка дала также выдающихся исполнителей музыки Шопена, среди которых следует прежде всего назвать лауреата I премии Конкурса им. Шопена 1970 года – Г. Олссона, а также шопеноведов (Дж. Кальберг). Здесь же был освоен рынок фортепианной продукции, где предпочтение отдавалось моделям фирмы «Steinway».

Сборник статей, Отзвуки Шопена в русской культуре, 2012

Вот описание открытого в городе Вильно кинотеатра, который, по мнению специалистов, полностью отвечал всем требованиям, предъявляемым к подобным конструкциям, поэтому приведем заметку, посвященную этому событию, полностью: «Шикарное здание в три этажа; зрительный зал вмещает около 1500 мест, обширное фойе и т. д. Аппаратная находится позади лож, в прекрасно устроенной в технологическом отношении комнате. Стиль внутри здания строго выдержанный, все места сидячие, причем стулья неподвижные с подъемными сиденьями. Вход во второй этаж, где помещаются зрительный и ожидальный залы, разделяется на две роскошные лестницы, устланные ковром, причем устройство зала таково, что публика входящая не встречается с выходящей. В нижнем этаже помещается кафе, так что публика, запасшись билетом, может прекрасно провести время в ожидании начала сеанса. Сцена в театре устроена так, что в любое время может быть приспособлена для концертов, причем места для оркестра находятся ниже уровня пола»[63]. Как можно увидеть из описания, владелец на всякий случай расширил функциональные возможности зала, чтобы в случае падения интереса к кинематографу можно было приглашать артистов. Кстати, подобный подход к устройству кинозалов часто использовался и в дальнейшем в крупных городах, позволяя привлекать публику выступлением артистов различных жанров перед показом фильма, а также в перерывах между частями фильма. В те годы фильм показывался с перерывами между частями, это было связано с тем, что кинотеатры обычно были оборудованы одной киноустановкой и необходимо было время для смены бобин с продолжением фильма.

А. А. Игнатенко, Очерки истории российской рекламы. Книга 3. Кинорынок и кинореклама в России в 1915 году. Рекламная кампания фильма «Потоп», 2015

Варшаву удалось покорить быстро. Два известных увеселительных заведения польской столицы – кафе «Эспланада» и Palais dе Danse – распахнули свои двери для ансамбля Ади Рознера. Здесь Ади играл на «файвах» – так в Польше называли танцы к чаю в пять. Современники отмечали, что молодежь, приходившая потанцевать, во время выступлений рознеровского джаза, начисто забывала о танцах: «файв» превращался в концерт. Оркестр Рознера звучал по-американски стильно, виртуозно и свежо. Выпускник Берлинской консерватории Владислав Шпильман – впоследствии узник Варшавского гетто (его история запечатлена в фильме Романа Полански «Пианист»), организатор фестивалей в Сопоте и автор дебютной песни Эдиты Пьехи – был свидетелем «файвов» Рознера. На вопрос Дариуша Михальского, «что играл Ади», Шпильман дал самый простой ответ: «Всё. Всё то, что тогда играли в мире: All of Me, Body and Soul, Little White Lies, Moonglow, Night and Day, Stardust, Stormy Weather (американские джазовые стандарты). А также то, что подсказывало ему чутье бэндлидера: самый чуткий художественный компас».

Д. Г. Драгилев, Эдди Рознер: шмаляем джаз, холера ясна!, 2011

Ступенью выше стоят музыканты, которых приглашают играть в кафе, рестораны. Они – настоящие профессионалы с музыкальным образованием, работающие в одиночку или уже сложившимся коллективом. Работая в кафе, можно неплохо подзаработать, ведь нередко посетители заказывают любимую музыку, которую они хотели послушать. Это стоит порядка 50-150 рублей в зависимости от заведения. В некоторых местах для клиентов даже устраивают небольшие зрелищные шоу. Это довольно интересные представления: артистов одевают в какие-нибудь необычные костюмы (к примеру, латиноамериканские), придумывают небольшие клипы. В качестве дополнительной рекламы иногда устраивают концерты на улице. Звучание музыки, конечно, завораживает и привлекает большее количество посетителей в кафе. Продумывается все детали, вплоть до репертуара. Значение имеет внешний вид артистов. Многое также зависит и от правильной громкости и от грамотного использования местной акустики.

Виктор Дельцов, Как заработать денег, -1

В качестве «довеска» к популярному юмористическому дуэту Пугачева и Слободкин были прицеплены до осени. Например, 3-11 сентября состоялись их концерты в ЦДКЖ. Народ и там ломился на Карцева – Ильченко, а певческий дуэт слушал, что называется, вполуха. Вообще, если бы Карцев и Ильченко выступали в первом отделении, то зритель отсидел бы только его, и певческому дуэту пришлось бы выступать в полупустом зале. Такова была тогдашняя реальность, в которой вынуждена была существовать будущая звезда номер один советской эстрады Алла Пугачева.

Ф. И. Раззаков, Алла Пугачёва. 50 мужчин Примадонны, 2014

В феврале 1979 года Пугачева дала сольные концерты в Театре эстрады, на которых, естественно, были аншлаги. А вот Ротару в Москве уже давно «сольников» не давала, ограничиваясь «сборниками». Вот и в том феврале она в очередной раз приехала в столицу, чтобы принять участие в сборных концертах, приуроченных к юбилейной дате – 325-летию воссоединения Украины с Россией. По этому случаю в столице союзного государства прошли концерты мастеров искусства Украины, а в Киеве – российских исполнителей. 8—11 февраля во Дворце спорта в Лужниках Ротару делила сцену с артистами: Михаилом Водяным, Юрием Тимошенко и Ефимом Березиным (Тарапунька и Штепсель) и др.; 12–13 февраля площадкой для выступления Ротару стала сцена Кремлевского Дворца съездов (кроме нее там выступили: все те же Тарапунька и Штепсель, а также певцы Юрий Богатиков, Дмитрий Гнатюк и др.).

Ф. И. Раззаков, София Ротару. Белый танец хуторянки, 2016

Еще один раздел сборника составляют песни, подвергавшиеся гонениям по самым различным причинам и не рекомендованные к открытому исполнению. Среди них музыкальные произведения – как профессиональных, так и самодеятельных авторов – на темы бытовые, политические и так называемой «воровской романтики» и др. Смена политического руководства, колебания партийно-эстетических установок, проведение различных назидательных кампаний, «неправильное» поведение авторов – все это чутко отслеживалось аппаратом, в чьем ведении находилось руководство музыкальным творчеством, и оценивалось с точки зрения полезности для «простого советского человека». Теперь, когда события тех лет давно уже стали достоянием истории, отчетливо видны несправедливость и тщетность бурной «запретительской» деятельности музыкальных надсмотрщиков. Песни, которые они запрещали, сегодня звучат на радио и в телеэфире, записываются на пластинки, исполняются на различных концертах.

А. Т. Шершунов, Любимые застольные песни для русской души, 2007

В СССР радио было одно, государственное, и представляло собой не что иное, как инструмент пропаганды. С самого своего возникновения, то есть с 20-х годов, оно мало чем отличалось от печатных изданий. Тогда в прямом эфире было принято зачитывать информационные листовки, это называлось радиогазетами. Но уже в 30-е годы радио несколько видоизменилось: стало транслировать музыкальные концерты, отрывки из опер и музыкальных спектаклей – в общем, всячески пропагандировать классическую музыку.

DJ Шмель, Диджей: Играющий в темноте, 2010

В конце сентября проходит Международный фестиваль «EARLYMUSIC», на котором звучит музыка разных эпох. Фестиваль способствует возрождению домашних музыкальных концертов XVIII столетия. Одной из постоянных площадок праздника является концертный зал эстонской церкви Святого Иоанна.

А. Ю. Гусаров, По Петербургу с книгой в руках. Путеводитель по северной столице на все случаи жизни, 2013

Между тем в целях привлечения к «голубым экранам» молодежи телевизионное начальство вынуждено было значительно расширить количество времени, где звучала бы легкая музыка. В итоге со второй половины 70-х концерты, демонстрируемые по поводу и без повода, сменяли один другой. Правда, в целях охвата как можно более широкой аудитории (не только молодежи) принцип комплектования участников подобных концертов остался прежним – то есть в них были представлены исполнители самых различных жанров (концерт-«солянка»). Вот как, к примеру, это выглядело в 1978 году.

Ф. И. Раззаков, Гибель советского ТВ, 2009

К.Р. Непонятны, а позднее – и неприемлемы, но нас это и не волновало. Появилась возможность участвовать на концертах и на театральных площадках. К тому же действительно в канве рок-культуры действия вышли далеко за рамки галерей и домов культур, где рок-концерты проводились совместно с какими-то литературными чтениями и выставками. Но до этого, отдельными номерами программ – типо, заодно. А у нас все происходило в одном флаконе. Участвовали в выставках в Манеже, на разных концертных площадках; и все время наши выступления сопровождали скандалы, инспирированные ходившими по пятам комсомольцами и местной администрацией.

Миша Бастер, Перестройка моды, 2017

Концерты, фестивали авторской песни являются местами, где происходит обмен информацией, знакомство с новыми песнями и новыми друзьями. Но главное, что притягивает людей на фестивали, песенные форумы – это атмосфера музицирования, живого исполнительства. Это – та живительная среда, которая заставляет с оптимизмом смотреть на будущее авторской песни. Авторы и исполнители поют друг другу новые и старые песни, создаются ансамбли, различные инструментальные составы, объединяющие порой на один концерт людей из разных городов. Культура музицирования, общения с помощью искусства, несет огромный заряд, радость творческого общения.

Ю. Н. Горина, Мастер-класс авторской песни, 2017

За свою жизнь Цейтлин создал три квартета и один уникальный симфонический оркестр, игравший без дирижера. Пишут: якобы такое беспрецедентное явление в мировом искусстве возникло под «влиянием большевистской идеи коллективного труда». По-моему, все объясняется без политики партии. В ее ряды, разменяв шестой десяток, музыкант вступил в 1941 году, когда разразилась война и членский билет ВКП(б) заслуженному деятелю искусств РСФСР, профессору и заведующему кафедрой Московской консерватории, доктору искусствоведения благ и привилегий дать не мог. По-моему, все дело заключалось в идее жизнерадостного молодого музыканта создать оркестр, который бы существовал как сообщество единомышленников, без дирижера. Например, в квартете четыре музыканта (две скрипки, альт и виолончель) перед выступлением на публике часами репетируют и решают, как и что им играть. Подобным образом поступали артисты оркестра. На концертах, глядя не на дирижера, а друг другу в глаза, они знали без взмаха руки, как им играть.

Л. Е. Колодный, Никитский бульвар, 2014

В дуэте обычно один инструмент дополняет звучание другого. Иногда между ними происходит своего рода диалог, разыгрывается нечто подобное драматическому сюжету. Особенно характерны подобные дуэты для инструментальных концертов И. Баха, Г. Генделя, А. Вивальди. Не менее известен и дуэт флейты и фагота, открывающий Первую симфонию П. И. Чайковского «Зимние грезы».

Т. М. Колядич, История мировой культуры, 2010

История его создания очень проста. В декабре 1907 года Павловой понадобился номер для выступления на благотворительном концерте в Дворянском собрании, и она обратилась к Фокину. Тот в это время учился играть на мандолине и как раз разучивал мелодию Сен-Санса. Он предложил Павловой сделать номер на эту музыку. Миниатюру сочинили буквально за несколько минут: сначала Фокин показал Павловой несколько движений, она тут же повторила их, что-то добавила, что-то изменила… Гениальный в своей простоте номер стал на долгие годы визитной карточкой Анны Павловой. Он постоянно развивался: свет сменился с резкого концертного на «лунный», изменилось внутреннее содержание танца, затем номер стал называться «Умирающий лебедь», но сила его воздействия на зрителя со временем не ослабевала. Его исполняли и до сих пор исполняют многие балерины.

С. А. Чеботарь, Божественные женщины. Елена Прекрасная, Анна Павлова, Фаина Раневская, Коко Шанель, Софи Лорен, Катрин Денев и другие, 2014

В течение всего сезона здесь выступают лучшие симфонические оркестры США. В «Карнеги Холл» три больших зала, наиболее известен большой зал Айзека Стерна на 2800 мест, новый трансформируемый зал вмещает около 600 зрителей и зал сольных концертов Вейля – 268 человек.

Л. Р. Коробач, Нью-Йорк, 2012

Год спустя после убийства Александра II его сын, Александр III, желая отвлечь народ от революционных настроений, издал указ об отмене в обеих столицах «монополии императорских театров на организацию публичных концертов». Нетрудно догадаться, к каким последствиям привел царственный автограф под документом от 24 марта 1882 года. Повсюду распахивали свои двери развлекательные заведения всех калибров и мастей, с подмостков которых доносились до обалдевшей от впечатлений публики романсы, куплеты, анекдоты и даже каторжанские песни. К началу XX века на русской эстраде сформировались основные музыкальные жанры со своими законами, образами и кумирами.

Коллектив авторов, Звезды царской эстрады, 2012

Как-то вечером в 1987 году, в ноябре (в это время Стокгольм погружается в долгий зимний мрак), Денниз работал в кабинке диджея в Ritz, когда на маленькую сцену клуба с первым концертом в Швеции вышли Public Enemy в своей фирменной военной форме, а вслед за ними – LL Cool J. Градвалль, который тоже был там в тот вечер (а в последующие годы каждая заметная фигура в мире шведской музыки будет утверждать, что находилась в ту ночь в этом клубе), вспоминает: «Это было словно озарение, зримое доказательство того, что музыку можно играть не только на гитаре, басу и барабанах, но и просто при помощи Technics 1200 (излюбленный диджеями проигрыватель).

Джон Сибрук, Машина песен. Внутри фабрики хитов, 2015

На формирование вкуса и музыкальной культуры Лемешева оказали воздействие спектакли Большого театра с его ведущими мастерами. Спектакли с участием Собинова оставляли неизгладимое впечатление, но, пожалуй, самое незабываемое – воспоминание о последних концертах Ф.И. Шаляпина. Великий артист выступал тогда в Большом зале консерватории. Вот как пишет в своей книге Сергей Яковлевич о его концертах: «Словно зачарованный, я просидел в ложе до самого конца, и не раз слезы застилали глаза… Я был потрясен! Никогда раньше я не представлял себе, что можно так петь, такое сотворить со зрительным залом».

В. Д. Васильев, Сергей Лемешев. Лучший тенор Большого, 2012

Особенно велико значение ведущего при таких форматах школьных праздников, как концерт и конкурсно-игровая программа. В данном случае ведущий должен быть хорошим организатором и обладать исключительной способностью к импровизации, так как ему придется связывать разрозненные номера (конкурсы) между собой.

В. В. Лещинская, Праздники в средней школе, 2009